conciertos

JAPANDROIDS

+ Retirada!Más de 200 conciertos en 40 países en solo dos años. Son los números de la gira, que ellos mismos calificaron como “interminable”, deJapandroidscon su segundo discoCelebration Rock. Entre 2012 y 2013 el dúo canadiense se entregó a los “tentáculos del directo” (Brian King, guitarra,dixit) y, cuando terminaron, necesitaron tal descompresión que tardaron otros tres años en volver a un escenario.Pero renacieron mucho más fuertes. De ese reagrupamiento nacióNear To The Wild Heart Of Life, el “difícil tercer disco” (Briandixit, de nuevo) publicado el año pasado. Difícil pero con historia: el título del álbum está sacado de un pasaje de una novela deJames Joycey citan aTom WaitsyTownes Van Zandtcomo influencias para las letras y aThe Nationalcomo referencia musical. De las seis cuerdas de King y las baquetas deDavid Prowsehan emergido ocho nuevas canciones, tan efervescentes ehimnerascomo siempre, aunque esta vez vestidas con sintetizadores y nuevas profundidades de guitarra. El sudor, eso sí, brotará con la misma intensidad entre las cuatro paredes de La (2) de Apolo, su hábitat natural, el próximo 11 de julio.The boys are back in town!

THE BLACK ANGELS

Riffs como agujeros negros. Canciones como giros a un caleidoscopio. Discos como un visado al otro lado del espejo. Y directos como un estado de conciencia superior. Aunque los relojes se ablanden cuando suenan The Black Angels, sí existen dos coordenadas espacio-temporales fijas para que la banda tejana oficie su rito pagano de rock alucinógeno en directo en nuestro país: 1 de septiembre en Apolo, Barcelona, y 2 de septiembre en Joy Eslava, Madrid. The Black Angels llevan casi 15 años comprometidos con la psicodelia rock. Como se pudo comprobar durante su actuación en Primavera Sound 2017, no solo defienden la actualidad de esta música con cinco discos que abren puertas a otras dimensiones, sino que también entienden que este tipo de rock no es tan escapista como podría parecer: el discurso anti-establishment de la psicodelia de los 60 sigue vigente en su caso. El pedigrí psicodélico de este quinteto de Austin es irrebatible: fueron la banda de apoyo de Roky Erickson, forman parte de The Reverberation Appreciation Society, cofundaron el festival Levitation (antes Austin Psych Fest), titulan su último disco, Death Song (2017), jugando con el nombre de uno de los temas más arcanos de The Velvet Underground… Pero Stephanie Bailey, Christian Bland, Kyle Hunt, Alex Maas y Nate Ryan también se consideran a sí mismo como una banda de música de protesta: las letras de sus últimas canciones son apuntes del natural de una sociedad, la americana, y un sistema, el capitalista, al borde del colapso.

THE BLACK ANGELS

Riffs como agujeros negros. Canciones como giros a un caleidoscopio. Discos como un visado al otro lado del espejo. Y directos como un estado de conciencia superior. Aunque los relojes se ablanden cuando suenan The Black Angels, sí existen dos coordenadas espacio-temporales fijas para que la banda tejana oficie su rito pagano de rock alucinógeno en directo en nuestro país: 1 de septiembre en Apolo, Barcelona, y 2 de septiembre en Joy Eslava, Madrid. The Black Angels llevan casi 15 años comprometidos con la psicodelia rock. Como se pudo comprobar durante su actuación en Primavera Sound 2017, no solo defienden la actualidad de esta música con cinco discos que abren puertas a otras dimensiones, sino que también entienden que este tipo de rock no es tan escapista como podría parecer: el discurso anti-establishment de la psicodelia de los 60 sigue vigente en su caso. El pedigrí psicodélico de este quinteto de Austin es irrebatible: fueron la banda de apoyo de Roky Erickson, forman parte de The Reverberation Appreciation Society, cofundaron el festival Levitation (antes Austin Psych Fest), titulan su último disco, Death Song (2017), jugando con el nombre de uno de los temas más arcanos de The Velvet Underground… Pero Stephanie Bailey, Christian Bland, Kyle Hunt, Alex Maas y Nate Ryan también se consideran a sí mismo como una banda de música de protesta: las letras de sus últimas canciones son apuntes del natural de una sociedad, la americana, y un sistema, el capitalista, al borde del colapso.

A PLACE TO BURY STRANGERS

En las catacumbas es donde se esconden los secretos más deseados. Y A Place To Bury Strangers llevan más de una década custodiando la cueva del noise rock neoyorkino, con la psicodelia a un lado y el shoegaze en el otro. Durante la guardia ha llovido mucho: cinco discos, un puñado de EPs, guitarras destrozadas y cambios de formación que han culminado en el power trío actual, formado por Oliver Ackermann, Dion Lunadon y la reciente incorporación de Lia Simone Braswell a la batería. “Que sientas miedo en el concierto, que puedas palpar el peligro en la música”. Eso dicen los miembros de A Place To Bury Strangers de sus directos. Y ahora también pueden decirlo de su último disco, Pinned, publicado este mismo año por Dead Oceans, en el que la participación por primera vez de Simone ha conseguido trasladar su incendiaria puesta en escena al formato disco. Que se preparen las paredes de la sala Sidecar de Barcelona el 2 de septiembre y las de la sala Moby Dick de Madrid el 30 de agosto, porque retumbarán. Y no habrá ningún lugar donde esconderse.

AZYMUTH & MARCOS VALLE

Los diggers de música brasileña le adoran. Y no es para menos: desde que rompió a grabar música en 1963, la discografía de Marcos Valle ha sido una cornucopia de rare grooves, exotica, samba, bossa, bandas sonoras, rock, funk, disco y psicodelia. Pero ya hace tiempo que este artista carioca ha dejado de ser solo un secreto compartido entre coleccionistas de originales recónditos y/o reediciones oportunas. El legado de Marcos Valle se ha vuelto a peritar, y ahora su nombre sirve de argumento definitivo para todos aquellos que aseguran que en la enciclopedia sonora brasileña nunca hay letra pequeña. La música de Azymuth rima en asonante con la etapa sambadélica de Marcos Valle. La fusión jazz del trío formado por Jose Roberto Bertrami, Alex Malheiros e Ivan Conti exploraba sendas poco transitadas incluso por los grandes exploradores del jazz permeable. Sus hibridaciones con la samba y el funk llegaron al cénit con un éxito allende mares, Jazz Carnival, un título que resume en dos palabras todos los colores, todas las ideas y todas las emociones que viven dentro de la música de Azymuth. Tras años remezclados y versionados, Marcos Valle y Azymuth, los de verdad, coinciden en un doble cartel que trae por primera vez a España a dos de los artistas brasileños a los que la Historia de la música popular debe tasar de nuevo. Al alza, por supuesto.

AMEN DUNES

AMEN DUNES

BEACH HOUSE

De Baltimore al cielo. Beach House aún no nos han visitado este año pero ya anuncian su regreso. Su concierto en Primavera Sound el sábado 2 de junio será el único que ofrezcan dentro de un festival en toda Europa este verano. Pero como nuestro idilio con el dúo es infinito, ya tenemos dos nuevas citas en el horizonte: el 27 de septiembre en La Riviera (Madrid) y el 28 de septiembre en Razzmatazz (Barcelona). El embrujo de Beach House nunca se acaba. Para cuando vuelvan, el nuevo disco de Victoria Legrand y Alex Scally ya llevará varios meses entre nosotros. Responderá al nombre de 7, por su posición dentro de la discografía del grupo, y saldrá el 11 de mayo. Coproducido junto a Sonic Boom (Peter Kember), hablar de confirmación con ellos sería redundante: llevan años instalados en el transatlántico del dream pop, viajando plácidamente a velocidad de crucero sin que nada ni nadie perturbe su duende. En 2015 publicaron dos discos casi simultáneamente, Depression Cherry y Thank Your Lucky Stars, a los que siguió un recopilatorio de caras B y rarezas en 2017 que les sirvió para “hacer limpieza de armario”, como ellos mismos dicen, y afrontar un nuevo proceso creativo. Para el séptimo prometen cambiarlo todo para que nada cambie, uniendo su telaraña sonora al universo del op art presente en su nueva imagen y advirtiendo de que 7 será su álbum más creativo y versátil. Todo ello para abordar “la belleza que emana de las tinieblas; la empatía y el amor que crece del trauma colectivo”. La luz, siempre la luz.

BEACH HOUSE

De Baltimore al cielo. Beach House aún no nos han visitado este año pero ya anuncian su regreso. Su concierto en Primavera Sound el sábado 2 de junio será el único que ofrezcan dentro de un festival en toda Europa este verano. Pero como nuestro idilio con el dúo es infinito, ya tenemos dos nuevas citas en el horizonte: el 27 de septiembre en La Riviera (Madrid) y el 28 de septiembre en Razzmatazz (Barcelona). El embrujo de Beach House nunca se acaba. Para cuando vuelvan, el nuevo disco de Victoria Legrand y Alex Scally ya llevará varios meses entre nosotros. Responderá al nombre de 7, por su posición dentro de la discografía del grupo, y saldrá el 11 de mayo. Coproducido junto a Sonic Boom (Peter Kember), hablar de confirmación con ellos sería redundante: llevan años instalados en el transatlántico del dream pop, viajando plácidamente a velocidad de crucero sin que nada ni nadie perturbe su duende. En 2015 publicaron dos discos casi simultáneamente, Depression Cherry y Thank Your Lucky Stars, a los que siguió un recopilatorio de caras B y rarezas en 2017 que les sirvió para “hacer limpieza de armario”, como ellos mismos dicen, y afrontar un nuevo proceso creativo. Para el séptimo prometen cambiarlo todo para que nada cambie, uniendo su telaraña sonora al universo del op art presente en su nueva imagen y advirtiendo de que 7 será su álbum más creativo y versátil. Todo ello para abordar “la belleza que emana de las tinieblas; la empatía y el amor que crece del trauma colectivo”. La luz, siempre la luz.

KAMAAL WILLIAMS

Si el jazz está viviendo un nuevo momento dulce es gracias a nombres como el de Kamaal Williams, nombre artístico del londinense Henry Wu. El teclista y productor ha protagonizado una trayectoria meteórica en los últimos años, que incluye el disco Black Focus en 2016 junto a Yussef Dayes y que ha vivido en este 2018 su gran confirmación con el flamante The Return, esta vez firmado en solitario. Jazz visionario con retazos de la música urbana londinense, de las texturas, sonidos y señales de las saturadas calles de su ciudad natal. Recibido con los brazos abiertos por la crítica y alabado por su suma de R&B atemporal, soul cósmico y psicodelia espumosa, The Return es la banda sonora para un Londres retrofuturista, brumoso y en el que cada esquina guarda un secreto. Kamaal Williams vendrá a presentárnoslo desde el escenario de La (2) de Apolo de Barcelona el próximo 5 de octubre, dentro de una gira española que también le llevará a Madrid y Donosti.

KURT VILE & THE VIOLATORS

KURT VILE & THE VIOLATORS

ICEAGE

Estalactitas, punk y trombones: Iceage helarán Barcelona en octubreSi la venganza es un plato que se sirve frío, Iceage han esperado a que esté congelado para dárnoslo. Tampoco es que tengan cuentas pendientes con nadie, porque los tres primeros discos de este cuarteto de post punk de Copenhague (Dinamarca) fueron aclamados unánimemente por público y prensa musical. Pero Elias Bender Rønnenfelt, Dan Kjær Nielsen, Johan Suurballe Wieth y Jakob Tvilling Pless han esperado pacientemente cuatro años para dar forma a su cuarto álbum, el primero que han grabado completamente en analógico: se llamará Beyondless y saldrá el 4 de mayo a través del sello Matador. Si juzgamos por los dos aperitivos que han entregado a modo de adelanto, no cabe duda de que no habrá cuarto malo: el primero, Catch It, es un himno de post punk apocalíptico y apoteósico; mientras que Pain Killer, con la colaboración de la diva maldita Sky Ferreira, es una oda vital al amor con trompeta, saxofón y trombón. En esta nueva encarnación, Iceage son más profundos, más incisivos, más rotundos. Beyondless suena a culminación de una trayectoria irredenta, que arrancó con el tenebroso debut New Brigade en 2011 y que disco a disco ha ido sumando resquicios de luz en la cueva. Con todos estas credenciales se presentarán Iceage en su próxima visita a nuestro país, que les aterrizará el 30 de octubre en La (2) de Apolo (Barcelona).

HERE LIES MAN

¿Qué pasaría si Black Sabbath hicieran afrobeat? ¿Si a Fela Kuti le hubiese dado por el metal? Eso mismo se preguntaron Marcos García y Geoff Mann hace un par de años, y desde entonces ya no han mirado atrás. Con un debut homónimo publicado el año pasado que fue escogido por Rough Trade y BBC Radio 6 entre lo mejor de 2017, Here Lies Man suman hoy una raya al tigre con la publicación de su nuevo disco, You Will Know Nothing, en el que su afrobeat satánico se expande, coge cuerpo y dibuja nuevos horizontes. No es ninguna casualidad que al quinteto de Los Ángeles se le dé bien lo de construir riffs rocosos encima de ritmos africanos. No en vano Garcia y Will Rast surgen del célebre colectivo neoyorkino de afrobeat Antibalas, mientras que Geoff Mann combina su destreza a las baquetas con su riquísima herencia musical (es hijo del músico de jazz Herbie Mann). De todo ello dieron buena cuenta en su concierto en la pasada edición de Primavera Sound y lo volverán a hacer a finales de octubre, cuando debutarán en salas españolas: será el martes 30 de octubre en la sala Moby Dick de Madrid, y el miércoles 31 en Razzmatazz 3 en Barcelona. Prepárate para una dosis extra de contorsiones, himnos y nigromancia.

HERE LIES MAN

¿Qué pasaría si Black Sabbath hicieran afrobeat? ¿Si a Fela Kuti le hubiese dado por el metal? Eso mismo se preguntaron Marcos García y Geoff Mann hace un par de años, y desde entonces ya no han mirado atrás. Con un debut homónimo publicado el año pasado que fue escogido por Rough Trade y BBC Radio 6 entre lo mejor de 2017, Here Lies Man suman hoy una raya al tigre con la publicación de su nuevo disco, You Will Know Nothing, en el que su afrobeat satánico se expande, coge cuerpo y dibuja nuevos horizontes. No es ninguna casualidad que al quinteto de Los Ángeles se le dé bien lo de construir riffs rocosos encima de ritmos africanos. No en vano Garcia y Will Rast surgen del célebre colectivo neoyorkino de afrobeat Antibalas, mientras que Geoff Mann combina su destreza a las baquetas con su riquísima herencia musical (es hijo del músico de jazz Herbie Mann). De todo ello dieron buena cuenta en su concierto en la pasada edición de Primavera Sound y lo volverán a hacer a finales de octubre, cuando debutarán en salas españolas: será el martes 30 de octubre en la sala Moby Dick de Madrid, y el miércoles 31 en Razzmatazz 3 en Barcelona. Prepárate para una dosis extra de contorsiones, himnos y nigromancia.

SPIRITUALIZED

SPIRITUALIZED

CARPENTER BRUT

Escenario Bacardí Live, jueves 31 de mayo, 4 de la mañana. Según estas coordenadas espacio-temporales, estaríamos situándonos en el volcánico concierto que el francés Carpenter Brut ofreció hace unos días en Primavera Sound. Pero en realidad, el calendario y la localización a los que nos transportan los teclados de Franck Hueso (así se llama el músico que se enmascara detrás de este proyecto) es más intangible: los fotogramas de alguna película de terror de finales de los 70, principios de los 80, de aquellas que se encontraban rebuscando en las estanterías del videoclub. Icono de la retrowave y a la vez artista que trasciende esta misma etiqueta, Carpenter Brut ha devuelto la vida a los sintetizadores de línea gruesa y oscura en tres EPs (luego recogidos en Trilogy) ya célebres y un álbum, Leather Teeth, que contienen la música que John Carpenter debe de silbar en la ducha. Aunque en directo sumen guitarra y batería, el misterioso músico de Poitiers (esconde su identidad y su rostro con tanto celo como en su día Daft Punk) se ha convertido en uno de los nombres de culto de la electrónica actual. Y es que al margen de los instrumentos que utilice en escena, Carpenter Brut en directo va a por ti. Tenle miedo, tenle mucho miedo.

CARPENTER BRUT

Escenario Bacardí Live, jueves 31 de mayo, 4 de la mañana. Según estas coordenadas espacio-temporales, estaríamos situándonos en el volcánico concierto que el francés Carpenter Brut ofreció hace unos días en Primavera Sound. Pero en realidad, el calendario y la localización a los que nos transportan los teclados de Franck Hueso (así se llama el músico que se enmascara detrás de este proyecto) es más intangible: los fotogramas de alguna película de terror de finales de los 70, principios de los 80, de aquellas que se encontraban rebuscando en las estanterías del videoclub. Icono de la retrowave y a la vez artista que trasciende esta misma etiqueta, Carpenter Brut ha devuelto la vida a los sintetizadores de línea gruesa y oscura en tres EPs (luego recogidos en Trilogy) ya célebres y un álbum, Leather Teeth, que contienen la música que John Carpenter debe de silbar en la ducha. Aunque en directo sumen guitarra y batería, el misterioso músico de Poitiers (esconde su identidad y su rostro con tanto celo como en su día Daft Punk) se ha convertido en uno de los nombres de culto de la electrónica actual. Y es que al margen de los instrumentos que utilice en escena, Carpenter Brut en directo va a por ti. Tenle miedo, tenle mucho miedo.

NILS FRAHM

Las yemas de los dedos de Nils Frahm. Quién fuera siquiera rozado por ellas. Todo lo que tocan se vuelve hermoso. Teclas, perillas, switches o faders… en manos de este compositor y productor alemán se convierten en conmutadores de belleza y, por tanto, en objetos o piezas de un objeto bellas por sí mismas. La música que nace del tacto de Nils Frahm se diría en tránsito entre la ensoñación electrónica, la duermevela de la contemporánea y el despertar de la improvisación ruidista. En cualquier proyecto que participe, ya sean discos propios (algunos grabados solo a piano, otros envuelto entre cortinajes de arreglos) o colaboraciones con otros artistas (en su aventura paralela como miembro de Nonkeen o con F.S Blumm, DJ Shadow, Machinefabriek, Ólafur Arnalds…), siempre se aprecia un común denominador: la voluntad de transformar la música en materia inasible, en éter, en solaz. Que los sonidos de Nils Frahm son un refugio para públicos necesitados de pausa en un mundo que va a todas luces demasiado rápido se pudo comprobar en su preciosa actuación durante el pasado Primavera Sound presentando su último disco, All Melody. El sortilegio de esta música que flota suspendida entre mundos volverá a producirse el próximo 19 de noviembre en Madrid (La Riviera) y el 20 en L’Auditori de Barcelona (dentro del ciclo de conciertos Sit Back).

MAVI PHOENIX

Bienvenido, bienvenida, a la jungla de Mavi Phoenix. Aparta las hojas de esa palmera y encuentra un pájaro de canto exótico, sigue por el sendero de curvas electrónicas y llega finalmente a una catarata que resuena con fraseo y autotune. Este es el microcosmos húmedo y refrescante que se reproducirá en Barcelona el próximo noviembre: será el jueves 29, dentro de la nueva programación de músicas urbanas SWEAT de la sala Sidecar. La cantante austríaca de ascendencia siria ya reventó el listómetro el pasado 2017 con Aventura, pero con las dos caras de su reciente sencillo Bite demuestra que sus viajes a la música urbana no están limitados al exotismo. Así es como se mece entre letras escurridizas y colmilludas, engañosa suavidad y una producción que no le teme al pop. Tras su doblete en Primavera Sound Barcelona - pisando escenario en Primavera als Clubs y el selecto Pitchfork en el Fòrum - y su actuación en NOS Primavera Sound, este icono millenial vuelve a nuestro país para que podamos disfrutar en formato sala de sus mezclas de estilo, idiomas y géneros. Tal es el atrevimiento de la que sabe que a pesar de tenerlo todo por delante, ya tiene mucho camino recorrido.

THE KVB

+ HørdPop oscuro. Dos palabras juntas que, sobre el papel, suenan a oxímoron. Pero encima del escenario, cuando lo practican The KVB, suenan a gloria. Nick Wood y Kat Day son de esas personas a las que se diría felices cuando llueve. En su guardarropa sonoro, domina el negro. Krautrock, dark pop, post-punk, electrónica fría, ruido dulce… Cuando Geoff Barrow decidió incorporarles en su sello Invada, sabía que estaba fichando a unos de los suyos. Su último disco, Of Desire, se remonta a 2016, aunque no llegarán con las manos vacías: de momento acaban de publicar una nueva canción, Above Us, con la que afrontan su gira europea más extensa, que en apenas dos meses les llevará por más de 15 países en una treintena de shows. Las dos citas en nuestro país serán en Barcelona (Sidecar, 30 de noviembre) y Madrid (Moby Dick, 1 de diciembre).

THE KVB

+ HørdPop oscuro. Dos palabras juntas que, sobre el papel, suenan a oxímoron. Pero encima del escenario, cuando lo practican The KVB, suenan a gloria. Nick Wood y Kat Day son de esas personas a las que se diría felices cuando llueve. En su guardarropa sonoro, domina el negro. Krautrock, dark pop, post-punk, electrónica fría, ruido dulce… Cuando Geoff Barrow decidió incorporarles en su sello Invada, sabía que estaba fichando a unos de los suyos. Su último disco, Of Desire, se remonta a 2016, aunque no llegarán con las manos vacías: de momento acaban de publicar una nueva canción, Above Us, con la que afrontan su gira europea más extensa, que en apenas dos meses les llevará por más de 15 países en una treintena de shows. Las dos citas en nuestro país serán en Barcelona (Sidecar, 30 de noviembre) y Madrid (Moby Dick, 1 de diciembre).

ZEAL & ARDOR

Toda la combinatoria que explica a Zeal & Ardor parece un juego imposible de contrarios, empezando por la doble nacionalidad de su líder, Manuel Gagneux: suizo-americano, orden centroeuropeo + desparrame estadounidense. No debería ser tan raro, pues, que géneros antagonistas se toquen en su música. Si Zeal & Ardor fuerzan al gospel (o sea: las polifonías religiosas loando al señor) a encontrarse con el black metal (o sea: la radicalización del rock a mayor gloria del maligno) es porque al final ambos estilos comparten una energía similar, pero en sentido opuesto: elevación vs descenso. De esta cópula aparentemente contra natura nace una variante del metal de vanguardia que cuesta imaginar hasta que no escucha. En los discos David Is Fine y el novísimo Stranger Fruit uno puede hacerse ya a la idea. Pero hasta que no veamos a Zeal & Ardor en directo no alzaremos las manos al cielo y exclamaremos: “¡Alabado sea Dios!”. ¿O era “¡Alabado sea Satán!”?

ZEAL & ARDOR

Toda la combinatoria que explica a Zeal & Ardor parece un juego imposible de contrarios, empezando por la doble nacionalidad de su líder, Manuel Gagneux: suizo-americano, orden centroeuropeo + desparrame estadounidense. No debería ser tan raro, pues, que géneros antagonistas se toquen en su música. Si Zeal & Ardor fuerzan al gospel (o sea: las polifonías religiosas loando al señor) a encontrarse con el black metal (o sea: la radicalización del rock a mayor gloria del maligno) es porque al final ambos estilos comparten una energía similar, pero en sentido opuesto: elevación vs descenso. De esta cópula aparentemente contra natura nace una variante del metal de vanguardia que cuesta imaginar hasta que no escucha. En los discos David Is Fine y el novísimo Stranger Fruit uno puede hacerse ya a la idea. Pero hasta que no veamos a Zeal & Ardor en directo no alzaremos las manos al cielo y exclamaremos: “¡Alabado sea Dios!”. ¿O era “¡Alabado sea Satán!”?